Son fondateur Henri Peyre a mené l’interview qui est illustrée par des photographies extraites de la série.

Alizée. 2011. Photo : Jean-Romain Pac.

Cécile de France. Décembre 2010. Photo : Jean-Romain Pac.

Le dernier numéro contient un dossier spécial sur l’au-delà. A ce titre, l’équipe du magazine a rencontré Cécile de France pendant la promotion du film et m’a contacté pour que je réalise la photo de couverture. Un autre portrait a été publié, en pages intérieures, introduisant l’article-interview avec la comédienne.

Couverture du magazine 2E n°8. Photo : Jean-Romain Pac.

Interview exclusive de Cécile de France dans le magazine 2E n°8. Photo : Jean-Romain Pac.

J’ai rencontré Camille lors d’un déjeuner avec Anne-Cécile, une amie dont les centres d’intérêt sont au moins aussi nombreux que les miens ;-) ! Elle est journaliste, photographe, éditrice photo et se focalise sur tous les supports visuels pour ses projets personnels. Elle dévoile ses coups de cœur culinaires et artistiques via son blog Being Here et diffuse des entretiens audio avec de grands photographes sur un blog Arte Radio, Being There.

Polaroid 4x5". Camille Levert, juillet 2010, Paris. Photo : Jean-Romain Pac.

Ce billet, il faut bien l’avouer, est un peu de l’auto-promotion car son objectif est de relayer l’article qu’a écrit Camille à mon sujet. Ce papier fait partie de sa série d’articles « Deux heures avec… » qui sont des portraits écrits et photographiques publiés sur son blog. Camille rencontre pendant deux heures (en pratique, souvent un peu plus) une personne en se rendant à son domicile, discute avec elle et capte les motifs représentatifs de l’univers de son sujet avec son appareil photo.

Pour illustrer mon propre article, je me suis dit que le plus logique serait de présenter le portrait photographique de Camille ! Je suis donc allé chez elle mercredi après-midi pour réaliser quelques images.

J’ai apporté ma chambre photographique, chargée en films Polaroid et un appareil moyen-format dont j’adore spécialement le rendu (le flou des optiques Mamiya). Ce serait l’appareil photo que je choisirai pour partir sur une île déserte ! Les photos qui illustrent cet article proviennent donc de cette séance photo.

Pour consulter l’article de Camille, il vous suffit de cliquer sur ce lien :

« Deux heures avec Jean-Romain Pac »

Camille Levert, juillet 2010, Paris. Photo : Jean-Romain Pac.

Bonne lecture !

Béatrice Dalle photographiée par Patrick Swirc pour Télérama.

Ce mercredi là, en début d’après-midi, j’interroge l’un des régisseurs du studio :

- Olivier, je peux me mettre sur le plateau de Patrick Swirc vendredi ? Je connais un peu son travail et j’aimerais assister à la prise de vue.

- Oui, pas de souci, marque-toi sur le tableau.

Pour une fois, j’allais être sur du portrait et pas sur les habituels plateaux de mode ou de catalogue. La mode, ça peut être intéressant mais dans la majorité des cas, l’image est déjà faite : tout est contrôlé, formaté, sur-vérifié. Le client a le plein pouvoir, y compris celui de faire une image à la savonnette : lisse et insipide.

J’arrive donc sur le plateau le vendredi un peu avant midi. La séance photo sera exceptionnellement courte : normalement les plateaux sont loués à la journée et les prises de vue débordent toujours un peu. Sébastien, l’assistant-plateau, m’informe qu’aujourd’hui la séance ne devrait durer qu’une partie de l’après-midi.

Le photographe et son assistant arrivent, on se présente mutuellement. Patrick tutoie tout le monde sur le plateau et appelle les personnes par leur prénom : ça met vraiment à l’aise et surtout on se sent beaucoup plus impliqué.

Daniel, son assistant personnel, joue le rôle de doublure lumière le temps de la construction de l’éclairage. Patrick parfait la configuration de l’ordinateur portable relié à son boîtier, notamment sur le travail en chromie.  Sébastien, Daniel et moi installons les flashes, les diffuseurs et les panneaux de polystyrène pour éviter que la lumière ne tourne et rebondisse sur les murs. Le photographe nous donne ses directives et on ajuste les différents éléments : toile de spi, girafe avec flash et parapluie, panneaux bicolores en polystyrène, …etc.

Finalement, les choix pour la lumière sont arrêtés et l’éclairage définitif est mis en place lorsque Béatrice Dalle arrive sur le plateau. Elle se présente, nous vouvoie – plus par politesse que par froideur – et s’éclipse dans les cabines pour être coiffée et maquillée.

Pendant ce temps, nous discutons de divers sujets photographiques avec le reste de l’équipe et je me propose indirectement pour gérer la musique pendant la prise de vue. Patrick me briefe très légèrement :

- Bon JR tu me mets un truc qui bouge hein ! Je veux quelque chose de dynamique !

- Ok, pas de souci !

Je suis sur de mon coup, ce sera du The Ting Tings, Madcon, Le Tigre, Justice, Michael Jackson, Vitalic et autres Chicks on speed !

Au moment où Béatrice entre à nouveau sur le plateau, il est 15h30. A partir de là, tout s’accélère.

Elle se positionne, debout, dans cette zone sans issue constituée à gauche et à droite par les panneaux noirs et derrière par le fond blanc. Le photographe est en face, debout aussi. Il tient l’appareil photo à main levée.

Tout s’enchaîne très vite. Patrick commence à parler, déclenche. Je mets la musique et les éclairs du flash, telle une concurrence visuelle, créent leur propre rythme, essayant de prendre le dessus sur les percussions de la chanson. A chaque déclenchement, un spectacle audiovisuel éphémère a lieu. Le son est assuré par le CLAC-CLAC du miroir de l’appareil photo et l’image par les centaines de joules envoyés par la torche qui éclaire la scène. On me fait signe de monter la musique. « Shut up » de The Ting Tings est en train de saturer les baffles alors que Patrick dirige Béatrice à la force de sa voix.

Au bout de quelques secondes seulement, l’actrice quitte le plateau : la musique ne va pas. Elle vient vers moi et m’indique Wu-Tang Clan. Bien sûr ! Comment n’y avais-je pas pensé plus tôt ?! Ce que je mettais était bien trop commercial, évident, hors-sujet pour cette personnalité.

La playlist est maintenant chargée en morceaux de hip-hop américain et la séance reprend. Sébastien me voit rester timidement derrière la lumière et de fait, je suis en marge de la séance photo ! Je n’ose pas aller à côté de la station numérique pour voir la prise de vue lorsqu’il me dit : « Mais tu peux aller là-bas tu sais ! Tu es aussi là pour voir comment ça se passe ! ».

Léger sourire gêné ; je me dirige donc vers une ouverture du décor, là où tout le monde est finalement, en train de regarder la séance photo.

Béatrice Dalle photographiée par Patrick Swirc pour Télérama.

Patrick Swirc dirige énormément, parle fort : « Ouais comme ça ! Super ! Mets ta main dans tes cheveux. Oui. Non. Super ! ». Les mots sont laconiques, simples, efficaces. Avec lui, c’est direct, quasi-animal. Tout se joue dans le relationnel, la connexion entre le photographe et son sujet est directe, la relation est franche, sincère, professionnelle, un peu comme dans cette légendaire séquence de Blow-Up d’Antonioni où le photographe crie sur la modèle « WORK ! », ce à quoi elle répond par une communication non verbale, elle donne, livre son image et une partie d’elle-même. C’est comme en dessin : moins il y a de réflexion, plus c’est rapide et plus on atteint la justesse, on obtient de la spontanéité tout en conservant un certain contrôle.

Légèrement hors champ, la coiffeuse (?), la styliste (?) dirige un ventilateur directement vers l’actrice. Ses cheveux volent, le visage est dégagé mises à part quelques mèches rebelles qui redessinent plusieurs lignes noires du front aux joues.

Le photographe déclenche, mitraille, continue de lui parler, presque en permanence. Un instant il se retourne vers Daniel à la station numérique où toutes les photographies arrivent en direct. Le responsable du service photo de Télérama entre dans le plateau, rejoint l’assistant derrière l’écran pour voir les images défiler. Patrick interroge le duo :

« Alors il s’passe un truc là ?! »

Les deux hommes acquiescent et la séance photo recommence de plus belle, avec un dynamisme augmenté. L’état de transe est quasi-perceptible.

15h45.

Tout est terminé. Quinze minutes ont suffi. Des centaines de photos ont été prises. Tout a été créé, capté.

Béatrice Dalle quitte le plateau avec ces paroles, étonnée :  »Quelle énergie !! Çà fait plaisir à voir ! » et rejoint les cabines.

Patrick et le client commencent l’éditing, commentent les photos.

Sébastien, Daniel et moi déconstruisons la lumière et rangeons le matériel. Béatrice Dalle part peu de temps après.

Vers 17h30 – 18h00, je ne me souviens plus exactement, le plateau est calme et silencieux. Patrick et les quelques personnes restantes sont assis et discutent.

Ce jour-là je dois partir tôt, je dis au revoir à l’ensemble de l’équipe. Pour un dernier jour de stage au studio, je viens de vivre la séance photo la plus marquante des six dernières semaines.

Les photographies paraîtront dix jours plus tard en couverture de Télérama et en pages intérieures.

Couverture de Télérama n°3143 avec Béatrice Dalle. Photographie : Patrick Swirc.

En savoir plus

• Site officiel de Patrick Swirc
• Interview audio de Patrick Swirc (entrevue réalisée pour l’exposition à Arles de la série photographique « Lettre à Claire »)
• Article en ligne sur le site de Télérama : « Béatrice Dalle : ‘Je rêve de jouer des classiques de la tragédie grecque’ »
• Site officiel de Télérama
• Filmographie complète de Béatrice Dalle (IMDB)
• Site Web du studio de prise de vue (Studio Rouchon)

Préambule sur Rineke Dijkstra

Rineke Dijkstra est une photographe néerlandaise connue pour ses séries de portraits. Son travail le plus exposé est certainement les images qu’elle a réalisées d’adolescents en maillots de bain sur la plage.

Rineke Dijkstra, Hilton Head Island, S.C., USA, June 24, 1992, 1992

Brian Ulrich écrivait à son sujet, dans l’article « What makes a great portrait ?«  :

One though that never-ceases-to-amaze-me-since-the-first-time-I-saw-her-work is Rineke Dijksktra. Rineke seems quiet. She has no blog, no website. I don’t hear of her partying escapades at various international art events. I do see her pictures, a lot and there is always new.

Les portraits de Rineke Dijkstra, dans leur formalisme, sont originaux et simples à la fois. Il n’y a pas de surenchère technique et la composition reste assez basique. Ce qui fait la singularité de ses photos d’un point de vue visuel est l’emploi spécifique de la lumière artificielle dans un décor naturel. Dans sa série sur les adolescents à la plage, les tons pastels du décor font opposition aux couleurs vives des maillots de bain, rendues ainsi par l’utilisation de flashes. L’ensemble donne une image qui sort de l’ordinaire et qui a un réel impact auprès du public.

Son approche photographique du portrait reste dans la neutralité. A la lecture de l’image, il ne semble pas y avoir de jugement vis-à-vis de ses sujets. C’est l’un des traits de la culture néerlandaise qui se retrouve dans son travail mais en art, cela aurait pu tomber dans une représentation insipide ou froide voire scientifique. Ses photographies ressemblent à un scan – social et intérieur – de personnes qu’elle photographie, telle une radiographie. Le travail de Rineke Dijkstra est à part car il est intriguant et brut. Il est rempli d’interrogations sans être compliqué. Tout le monde peut le lire.

Je suis donc allé voir, avec un à priori positif bien légitime, sa dernière exposition à la galerie Marian Goodman à Paris. Décidemment, la programmation de cette galerie colle à tous mes coups de cœur photographiques puisque la galerie parisienne a exposé Jeff Wall il y a quelques mois et la galerie new-yorkaise propose jusqu’au 19 juin les derniers travaux de Thomas Struth !

Exposition de Rineke Dijkstra à la galerie Marian Goodman

L’exposition est en deux parties.

La première est dans la salle du rez-de-chaussée. Il s’agit d’un groupe d’enfants, filmés sur un fond blanc, qui expriment à haute voix leurs sentiments et ce qu’ils voient face au tableau The Weeping Woman de Pablo Picasso. Les enfants sont filmés par trois caméras et l’installation est une projection des trois vidéos l’une à côté de l’autre. Au même étage, il y avait aussi une autre installation vidéo mais que je n’ai pas vu, représentant une jeune étudiante en train de dessiner alors qu’on lui montrait une vidéo de Pablo Picasso au travail.

Rineke Dijkstra, The Weeping Woman, Tate Liverpool. 2009.

Rineke Dijkstra, Ruth drawing Picasso, Tate Liverpool. 2009.

Cette installation vidéo ne m’a pas réellement séduit. Il y a des lenteurs dans le montage et la forme employée m’a rapidement désintéressé. C’est dommage car l’idée est originale mais je reste insensible au résultat final.

Le deuxième partie de l’exposition, quant à elle, est captivante !

Rineke Dijkstra a construit un studio dans la discothèque Krazy House à Liverpool. Elle a demandé à Simon, Megan, Nicky, Philip et Dee, cinq adolescents, de venir en semaine lorsque la discothèque est fermée et de danser sur leur musique préférée (de la deep house à l’alternative metal en passant par la transe). Elle les a filmé sur un fond blanc uni.

L’installation vidéo se situe à l’étage du dessous. La salle est complètement obscure : le sol est une moquette noire, les murs de même et on y accède par un petit couloir tapissé d’un revêtement anti-bruit. A l’intérieur, les quatre murs hébergent chacun un écran de projection. Une à une, les vidéos sont projetées et se succèdent, présentant ces jeunes gens sur fond blanc, en train de danser sur leur musique. La salle de la galerie est donc entièrement noire avec juste la chanson de la vidéo en fond sonore et l’un des quatre écrans qui est illuminé. Les trois autres murs baignent dans l’obscurité totale.

L’expérience est immersive car le lieu invite à se plonger dans l’univers de chacun : par l’absence de sons parasites dans la salle, par le conditionnement à l’analyse et à l’écoute que procure le noir et finalement par la quasi-transe dans laquelle sont les adolescents lorsque la musique commence. A noter d’ailleurs à propos de la scénographie que le blanc de l’écran est réfléchi sur la moquette du sol et crée ainsi un halo lumineux. Cette lumière blanche guide le visiteur vers la vidéo et fait aussi office de mise en valeur de l’objet en créant un pourtour lumineux englobant l’écran.

Enfin, un élément important de la scénographie réside dans les choix faits pour la projection. Les sujets sont cadrés légèrement plus large qu’un plan américain et projetés à une taille un peu plus grande que la réalité. Le visiteur est alors happé par l’image et les sujets, par leur taille inhabituelle, ont de fait une présence extraordinaire.

Rineke Dijkstra, The Krazy House, Liverpool. 2008-2009.

Rineke Dijkstra, The Krazy House, Liverpool. 2008-2009.

Rineke Dijkstra, The Krazy House, Liverpool. 2008-2009.

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A mes yeux, cette installation est triple :

• elle apporte un regard social sur la jeune génération
• elle peut être l’introduction d’un travail typologique sur la danse et sur les musiques contemporaines
• et elle crée une expérience humaine pour le visiteur

Avant de parler du premier point, voici une courte parenthèse sur les choix formels. L’esthétique est à nouveau très néerlandais, à savoir sobre mais efficace. L’image est dépouillée avec un élément simple sur un fond uni.  Cet aspect visuel reprend les codes actuels de la publicité et du clip. Pour exemple, voici une publicité pour Mac, une pour l’iPod et enfin le clip « Everybody’s changing » de Keane.

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L’éclairage est doux et presque sans ombres, il n’y a donc pas d’intention particulière, au sens de jugement de la part de la photographe. On retrouve alors le vocabulaire visuel de Dijkstra et la neutralité de sa démarche.

Cette neutralité amène à la force du premier aspect de l’oeuvre : le regard social.

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Regard social

La jeune fille noire sur la troisième photo en est un exemple. Au début de la vidéo et donc de la chanson, elle est particulièrement mal à l’aise. Elle n’ose pas bouger, son buste est assez rigide ; elle regarde la caméra comme pour demander la compassion du spectateur. De manière mécanique, sans aucune conviction, elle rassemble ses deux mains pour symboliser la forme du cœur – artefact chorégraphique très fréquent en Tecktonik -. Puis, petit à petit, elle commence à rentrer dans la musique et enchaîne les déhanchés classiques que l’on peut voir dans n’importe quelle discothèque. A la fin de la vidéo, elle est véritablement dans un état de partage, elle donne, sourit, profite de la musique.

La fille blonde de la première photo, quant à elle a choisi une musique beaucoup plus planante, de la deep house. Pendant toute la durée de la séquence on ne voit presque pas ses yeux. Elle intériorise une grande partie de ses émotions : elle esquisse de petits mouvements de bras, a la tête baissée et ses jambes sont immobiles. Sa tenue vestimentaire aussi recouvre des indices. La robe est taillée très court et le ruban gris qui coupe le décolleté renforce son impact (se dénuder partiellement). L’image qu’elle donne est forcément bien différente de la précédente adolescente, portant un jean avec une large ceinture marron et un t-shirt imprimé.

Expérience humaine

La première fois que j’ai visité l’exposition, il n’y avait personne. C’était le lendemain du vernissage et il était onze heures du matin. Je suis resté pendante les trente minutes du cycle des vidéos, happé parce que je voyais. J’analysais tout, découvrais et en même temps je profitais de la musique.

La seconde fois c’était tout autre : une quinzaine de personnes étaient déjà dans la salle quand je suis entré : trentenaires, hommes, femmes, avec enfants, seuls, homos, hétéros ; bref, assez représentatif du 3ème arrondissement finalement ! Tout le monde s’était assis directement sur la moquette et regardait les vidéos.

L’expérience était complètement différente. Nous étions là en tant que spectateurs réunis, en train de regarder la même chose. La scène que nous regardions dans la galerie, normalement, est difficilement partageable car il s’agissait d’écouter une musique de discothèque avec attention et de regarder les comportements qui n’ont lieu que dans les boîtes de nuit.

Généralement, en boîte, l’activité humaine (proximité physique, jeux de séduction, alcool, chaleur, inconfort) fait que l’on n’est pas extrêmement attentif à la musique. On peut la vivre, certes, mais de manière assez grossière, sans subtilité. Dans la galerie, nous pouvions apprécier dans des conditions idéales cette musique et l’écouter en groupe.

Plus intéressant encore, ce que nous pouvons faire individuellement en discothèque, comme regarder une personne pour étudier son comportement, voir ses gestes, être séduit ou pas par sa manière de danser est presque impossible à partager. On peut le raconter à nos amis après la soirée mais ce ne sera pas pareil, l’information est déjà interprétée et puis assez diffuse : quand on veut regarder une personne il y en a toujours une autre qui passe devant, obstrue la vision. Tout n’est que parcellaire, incomplet.

Dans l’expérience The Krazy House de Rineke Dijkstra, la photographe impose à son public de regarder tous ensemble, en même temps, la même personne de manière limpide mais abstraite car dénuée du contexte habituel. Les visiteurs peuvent commenter de vive voix et réagir.

L’artiste crée donc un « oeil » qui est celui des visiteurs face à cette scène surréaliste. Effectivement, dans la danse – en omettant les gens qui dansent seuls chez eux par simple plaisir –  il y a toujours un échange entre celui qui bouge et celui qui regarde. Ce peut être deux danseurs entre eux ou un seul face à un spectateur mais il y a forcément une interaction dans la mesure où il y a communication. La danse est aussi le summum du langage corporel, le fameux « body language » : ce mouvement dénote la pudeur, celui-ci un acte sexuel, celui-là un lâcher prise. Dans ce cas, il y a juste une caméra. Que devient donc cet acte de danser face à un spectateur qui n’est pas présent dans la salle et surtout dans un lieu qui normalement est une discothèque mais sans l’ambiance et la population d’une discothèque ? Que deviennent tous les codes et leurs conséquences que la danse peut impliquer ?

C’est aussi ce mystère qu’a crée Rineke Dijkstra par cette oeuvre vidéo. Grâce au fait qu’elle a imposé une abstraction à la prise de vue (en occultant une partie du contexte), la portée de son oeuvre s’en trouve grandie et cette dernière transcendée car on peut la voir par de multiples prismes.

Références supplémentaires

• Le blog de Jörg M. Colberg, dont est tirée la citation de Brian Ulrich
• Exposition Elles@Centrepompidou qui présente un tirage Cibachrome de Rineke Dijkstra

Samia, Paris. 2010.

En regardant ce que font les autres photographes, j’ai découvert beaucoup d’images : des bonnes et des moins bonnes. Au fur et à mesure que j’avance et que j’analyse certaines séries photographiques, j’ai peur de tomber dans l’impasse du journaliste, ou photojournaliste. Concrètement, cela consiste à traiter un sujet de manière superficielle, sans réelle implication personnelle.

Pour qu’un sujet soit vraiment intéressant, le photographe doit se mouiller, ne pas considérer qu’il est au travail mais apprécier la rencontre de l’autre comme un instant de sa vie. Je vois là une différence fondamentale entre le photo-journaliste qui agit rapidement, sans profondeur ni compassion, et le photographe qui oublierait presque pourquoi il est là, observe, vit. L’appareil photographique devient accessoire.

Lorsque je suis allé voir l’exposition 6 milliards d’autres de Yann Arthus-Bertrand, j’ai ressenti ce vide dans la démarche. Certes, ce n’était pas un projet photo mais les vidéos étaient accompagnées d’images fixes. Les assistants du célèbre photographe déroulaient un questionnaire à des habitants des cinq continents, et filmaient les réponses. Les questions portaient sur leurs rêves, leurs peurs, leurs espoirs et quelques dizaines autres notions existentielles.

Sur le papier, ça aurait du fonctionner et l’idée est suffisamment intéressante pour croire en ce projet mais là où toute la force du concept tombe à l’eau, c’est justement cet aspect trop journalistique. En visionnant le making-of, les assistants arrivaient sur un lieu, filmaient l’interview et repartaient, c’était réalisé à la chaîne, presque sans humanité. Je ne doute pas des bons sentiments des différents intervenants du projet, cependant la logistique était telle que le temps était compté et jouait en défaveur de la qualité finale du résultat.

De la même manière, il est connu que certains photographes de guerre sont dépêchés sur place, en plein milieu d’un conflit par des agences filaires, font leur photo en mitraillant les lieux, les gens et remontent dans l’avion quelques jours après. Tout est fini, sans qualité. Je vous conseille d’ailleurs à ce sujet de regarder l’excellent documentaire s’intitulant « AFP, profession photographe » produit par Actual Prod.

L’article que j’écris est une mise en garde personnelle. Dépasser ce stade là signifie une implication personnelle hors norme. Elle implique une vision idéologique du reportage photographique, loin des canons classiques. Certaines productions audiovisuelles françaises sont en grande partie responsables de la pauvreté de traitement des sujets sociaux : Envoyé Spécial, Zone interdite, Enquête exclusive…etc. A leur décharge, elles n’ont pas une vocation autre que celle d’informer. L’information, bien que présentée et interprétée par une salle de rédaction, manque de finesse et d’humanité.

L’émission Strip-Tease est un OVNI dans ce paysage. Le modus operandi des réalisateurs s’approche fortement de celui des photographes : la captation prend la place de la création. La caméra ne bouge pas ou peu, et une scène de vie se déroule. La prise de conscience de la présence du dispositif technique s’est effacée avec le temps et aussi grâce à la discrétion des opérateurs. Le résultat est stupéfiant : il est juste et vrai. Le spectateur a la sensation d’avoir assisté à un moment intime, où il n’était pas présent, comme une mouche qui volerait au dessus d’un dîner et à laquelle personne ne prêterait attention. Beaucoup de photographes humanistes, dont Henri Cartier-Bresson, recherchaient cette situation privilégiée.

Dans mes objectifs personnels, je veux réaliser des reportages sociaux, sans tomber dans la banalité journalistique (Strip-Tease étant un cas à part, c’est une émission intelligente, de qualité et profondément humaine). Le travail du journaliste n’est ni évident ni réduit, il nécessite des qualités pluridisciplinaires et un dynamisme à toute épreuve ! Cependant, ma vision de la photographie sociale est autre et par les exemples qui suivent, je compte me tracer une voie intérieure qui souligne mon intérêt profond pour l’Homme et sa manière d’aborder son existence, son humanité au sein de l’Humanité.

Comme transition, le travail d’Olivier Culmann, du collectif Tendance Floue semble tout à fait correspondre à la traduction photographique de l’émission Strip-Tease justement. Ce sont des portraits de téléspectateurs, dans différents pays du Monde, dans leur intérieur regardant le petit écran. Le photographe est à côté, capte ce moment et en s’oubliant vis-à-vis du sujet, le décrit simplement.

Olivier Culmann, Série "Télé-spectateurs", 2009.

Olivier Culmann, Série "Télé-spectateurs", 2009.

Par cette série, on dépasse la simple information. Il y a un point de vue, une subjectivité et un contact avec les gens.

La proximité avec le sujet se retrouve dans les photographies de Larry Clark aussi. De tous temps, il a suivi l’adolescence décadente américaine.

Larry Clark, Billy Mann, 1963.

Dans cette photographie, prise en 1963, la position même du photographe qui est à l’intérieur de la voiture est très révélatrice de son comportement en reportage. Son attitude se retranscrit dans les photos finales à savoir le fait qu’il partage la vie des gens, qu’il est avec eux pendant un temps prolongé. Là, il est côté passager dans la voiture, avec lui. Le fait de monter dans une voiture avec une personne amène de facto une intimité : on est en route, ensemble pour une direction commune et dans un espace réduit.

La notion de temps est très importante en reportage. On ne fera pas la même photo si on a la possibilité de la faire en dix fois plus de temps. Quand Olivier Roller photographie Patti Smith (vidéo de la séance photo), il explique :

Pour cette photographie là de Patti Smith il y avait une contrainte particulière qui est celle du temps. Et pouvoir faire une photo en deux minutes, c’est compliqué. Moi j’aime bien.
Malgré tout je suis face à quelqu’un que je ne connais pas, qui a une certaine habitude de la photographie, qui est une star, qui est très sollicitée, très photographiée depuis des dizaines d’années. Je suis en situation d’infériorité dans cette histoire. Elle ne me connaît pas, ça va durer cinq minutes.
C’est très brutal.
Cette fille-là, elle ne va rien lâcher. Elle connaît trop bien ça et il n’y a aucune raison qu’elle me donne quelque chose. Elle ne va pas se mettre en danger. En deux minutes, elle ne va pas se mettre en danger. En cinq minutes non plus. En une heure, on aurait une chance.
Je pense que je serai dans le regret de ce que j’aurais pu faire d’elle.

De même, dans une entrevue pour Frog Magazine, à la question « Y a-t-il des célébrités que vous voudriez vraiment photographier ? », la photographe Collier Schorr répond :

[...] Et Brad Pitt aussi m’intrigue, car je sais qu’il demande au moins deux jours pour faire une photographie, il vous demande d’avoir différentes idées, de laisser ces idées évoluer, et je trouve cela fascinant car la plupart des célébrités veulent être débarrassées de l’exercice de la photographie le plus rapidement possible.

Danny Lyon, comme bien d’autres, l’a mis en pratique dès le départ. Il a passé plusieurs années en suivant un groupe de motards hors-la-loi aux Etats-Unis. Il s’est intégré au groupe et a partagé leur mode de vie. Pour le photographe, ses photos étaient « une tentative d’immortaliser et de glorifier la vie des motards Américains ».

Danny Lyon, Crossing the Ohio, Louisville. 1966.

Danny Lyon, At the Clubhouse, 1965.

Pour finir, comment ne pas citer Antoine d’Agata, qui a rejoint Magnum Photo en 2008. Il conçoit sa photographie comme une « expérience à vivre » dans le sens où ce qui est important pour lui est de vivre l’instant, l’appareil photo est là pour enregistrer le moment mais rien de plus. On remarque que beaucoup de ses photos sont floues, prises sur le vif. La photographie serait dans son cas presque un prétexte, un alibi pour vivre des expériences extra-ordinaires.

Antoine d'Agata, extrait de la série Mala Noche, 1991-1997.

Antoine d'Agata, Guatemala city / MAGNUM

Au fond, ce que je recherche dans la photographie sociale, c’est un contact franc avec l’autre. Dans la vie, ce qui fait grandir, ce sont les rencontres humaines et pour qu’il en ressorte quelque chose, c’est-à-dire que je m’en trouve changé, il faut être jusqu’au boutiste, ne pas s’arrêter en chemin et vivre pleinement les expériences.

Le photojournaliste est en quête de l’information alors que le photographe social s’intéresse à la rencontre humaine.